ENDLESS OPENNESS PRODUCES CIRCLES | DCPP

05 Mar 2014

Rita Ponce de León en colaboración con Pablo Pérez Palacios Por: Fabian Schöneich / Assistant Curator

En la Kunsthalle de Basilea, tenemos el placer de presentar la primera exposición individual que tendrá lugar en Europa de la artista Rita Ponce de León (1982), originaria de Perú que ahora vive en México. El espectáculo ha sido realizado en estrecha colaboración con el arquitecto mexicano Pablo Pérez Palacios (1980).

Las conversaciones con sus amigos y conocidos son el punto de partida de muchos de los dibujos que Ponce de León presenta en la exposición Endless openness produces circles en la Kunsthalle de Basilea. Los dibujos de la pared en la galería principal se basan asimismo en dibujos ejecutados siguiendo este principio. El énfasis de las conversaciones que registra Ponce de León está en los sentimientos subjetivos, opiniones e intereses, así como sobre los acontecimientos de interés personal y la importancia del respectivo interlocutor. La principal intención de la artista es desarrollar algo en lo que ella ya participa. Tomando sus grabaciones y los textos que ha escrito acerca de las conversaciones como su orientación, su siguiente paso, por lo tanto, es analizar no sólo las expresiones de su vis-à-vis, sino también la suya, y transformarlos o traducirlos en bosquejos visuales, para así reinterpretarlos. Las declaraciones subjetivas se convierten así en fragmentos de texto objetivos, que luego, en la etapa final del proceso artístico, son convertidos en dibujos. El acto de dibujar en sí, que ella describe como la parte más emocional del proceso, refleja y crea una exploración intuitiva y perspicaz, no sólo de texto, sino también de la experiencia de relacionarse con las personas que conoce.

Para la artista, es la amistad subyacente la que forma el aspecto más importante de su interés en la visualización de las conversaciones. El único elemento de sinceridad y de verdad es lo que la inspira. Y es precisamente lo que también puede ser entendido como el elemento social -o punto de partida social- en el arte de Ponce de León. Todo este proceso, sin embargo elaborado, parece partir de la suposición de que las imágenes son capaces de comunicar algo real si se basan en la genuina experiencia de la vida, en el conocimiento que se han generado por la experiencia. Esa es también la razón por la cual el artista ha estado estudiando Butoh, una forma de danza teatral japonesa, desde hace bastante tiempo. Desde los años sesenta, bailarines y teatros de danza en Japón se han estado dedicando a esta autorreflexiva y expresiva forma de danza, que –al tiempo de practicarse en todo el mundo- se desarrolló como un gesto de resistencia a una cierta cultura de la danza occidental con su enfoque en la expresión individual pura y el entretenimiento, pero también contra las rígidas tradiciones japonesas con el objetivo de encontrar una forma de expresión japonesa contemporánea. El Butoh original era por lo tanto una forma de protesta artística comparable a las corrientes europeas como el Accionismo Vienés. Principalmente entre los años 1962 y 1970, con protagonistas como Otto Muehl y Hermann Nitsch, este último movimiento buscaba contrarrestar las circunstancias represivas en la sociedad con actuaciones contundentes que implicaron formas extremas de trabajo con el cuerpo.

Sin embargo, el interés de Ponce de León en Butoh se centra principalmente en la experiencia de la vida y cada elemento de la misma, con el cuerpo humano. Las llamadas “danza de las tinieblas” y “danza de la muerte” fueron las primeras formas de Butoh desarrolladas por artistas como Tatsumi Hijikata (1928-1986)o Kazuo Ohno (1906-2010) con el fin de lograr una nueva forma de danza de metafóricamente abrir el cuerpo y que sirva como un medio de expresión. Lo que atrae a Rita Pince de León sobre este tipo de danza teatral es el modo de colectividad entre los participantes. Cuando uno pasa tiempo con personas, también se comparte un espacio con ellos, se respira el mismo aire, y se utilizan los mismos objetos.

El diálogo se produce incluso antes de que uno se dedique a intercambio verbal. Esta relación es la herramienta de la artista por indagar y que representa la “unión”, “convivencia”, y cómo las personas lidian con ello. La imponente galería principal, que por su diseño arquitectónico se inunda con la luz del día, indica con precisión el tipo de apertura destinados a entrar – una apertura entre los visitantes y las obras, y entre las mismas obras. La arquitectura de la exposición, creada en colaboración con el Arquitecto Pablo Pérez Palacios, hace sólo cambios menores en la habitación, pero señala aún más insistentemente esos cambios.

El objetivo de esta colaboración fue de promover una mayor apertura del espacio, y de la vinculación de las tres habitaciones para hacerlas perceptibles con la experiencia de un único espacio abierto. Untitled (Sin título) (2014) es un ligero muro artificial hecho de tela blanca que responde a la pared de mampostería existente y lo convierte en un cuarto de 18°. El gesto es simple, el efecto desconcertante. Toda la realidad del espacio rectangular se altera y con ello la percepción del visitante de la sala y, por supuesto, él de sí misma y de sus movimientos. Incluso la entrada a esta galería del siglo XIX se repite, ahora se entra en el espacio real en dos ocasiones. Además la transformación del espacio se consigue conectando las líneas que corren a través de las paredes de la galería con una estructura metálica angular expandible desde la galería principal, a través de la puerta, y hasta el espacio contiguo. Por lo tanto, el espacio principal es, literalmente “dibujado” hasta el que le sigue.

Which point of view is actually mine? (¿Qué punto de vista es realmente mío?) (2014) es el título del dibujo de la pared y la instalación escultórica en el espacio. La obra, que combina elementos figurativos y abstractos, se basa en los dibujos a pequeña escala hechos por la artista y hacen referencia a las personas que conoce, así como sus reflexiones sobre el espacio Kunsthalle y al acto de dibujar en general. Las personas en cuestión no son necesariamente parte de su entorno cotidiano, sino que también incluyen a conocidos del pasado. Detalles como un peinado, por ejemplo, podrían estar completamente fuera de contexto pero son sin embargo acordes ya que se basan en los recuerdos de Ponce de León. Las identidades no se representan, no es la intención de la artista. La idea de la transformación visual de experiencias y recuerdos, descrita anteriormente, aquí se vuelve tangible. En el cabello de la parte posterior de la cabeza de una mujer de gran escala nos encontramos con sus ojos que nos miran. Considerando que el presente trabajo ilustra la mirada suspendida entre lo interior y lo exterior, en alivio frente a la mirada que toma forma: Me-something (Yo-algo) (2014), es un relieve de forma ovalada negativo de aproximadamente el tamaño y la forma de un rostro humano que no exhibe detalles de ningún tipo. El punto, más bien, es la irritación de la perspectiva, y el tener el espectador que percibir toda la pared como una máscara portátil. Si uno realmente se decide a ponerse esta “máscara”, uno sale de la habitación y entra en un reino de la misma. Y metafóricamente hablando, la máscara ofrece una vista del patio Kunsthalle exterior, y por lo tanto una vez más se abre el espacio.

La serie de dibujos hechos para el show en la Kunsthalle y que ahora se muestran en la galería 11 se titula A Change Of Mind Serves To Advance An Honest Mind Drawings (I Started Saying Something But I Forgot And Said Something Else) (Dibujos de Cambio de Idea – Comencé diciendo algo pero lo olvidé y dije otra cosa-) (2014). Rita Ponce de León mira estas obras precisamente como las visualizaciones de experiencias realizadas de manera muy emocional e intuitiva por medio del dibujo. Una vez más, la apertura se insinúa dejando el bastidor abierto en la parte superior de cada dibujo.

Endless openness produces circles (La apertura sin fin produce círculos) (2014), el título de la exposición así como de la instalación de la última habitación de la galería con tragaluz, juega exactamente con esta idea de apertura infinita. La disposición a sumergirse en este ambiente conduce a la apertura de la artista que se esfuerza por abordar. La construcción de dos grandes e intersectados marcos de aluminio que sobresalen fuera de la ventana en la última galería se reflejan dentro de la galería por marcos similares que se extienden desde la ventana. La “puerta-ventana” así multiplicada también multiplica los puntos de vista que uno puede experimentar, y elabora la apertura de la ventana como tal. El visitante es invitado, además, a cambiar la posición de los marcos en el interior de la galería y por lo tanto modificar la vista desde la ventana.

En su obra Endless openness produces circles en la Kunsthalle de Basilea, Rita Ponce de León emplea el método de dibujar, esbozar y describir para registrar las experiencias y memorias subjetivas y colectivas y transformarlas en una discusión de cómo somos modelados por nuestras experiencias. Ella por lo tanto llega a la esencia de lo que caracteriza a nuestra convivencia. La combinación de la “luz” como medio con una igualmente “discreta” exhibición de arquitectura invita a los visitantes de Kunsthalle de involucrarse e integrarse a sí mismos para conectarse con su vis-à-vis, para dar alcance total a sus emociones y para reflexionar sobre lo que han experimentado y lo que les gustaría recordar.

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